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Saison 2005 – 2006

Yechel Gagnon Vide et Plein Chantal Gervais Between Self and Other
John Heward and Sylvia Safdie Heads Exposition annuelle des étudiants
John Drew Munro Tiny Builders Virginia McClure Rétrospective
Maria Chronopoulos Mapping the Invisible Vicion collective – 60E Anniversaire   une exposition/vente levée de fonds
Vanessa Yanow Chariots of Desire Ikebana expression florale
Michael Smith Wresting Vision Elena Willis Naturally Human
Les lundi, 9H à 12H  une exposition de groupe à la galerie McClure

Yechel Gagnon - Vide et Plein

Yechel Gagnon Vide et Plein

Vernissage: jeudi le 8 septembre à 18h
Exposition: du 9 septembre au 1er octobre , 2005

Communiqué de presse de l’exposition:

La galerie McClure a le plaisir de présenter une exposition de l’artiste montréalaise Yechel Gagnon. Vide et Plein établit un dialogue entre une série de bas-reliefs en contreplaqué et des dessins à l’encre. Le titre de l’exposition fait référence à un livre important sur le langage pictural chinois et souligne la préoccupation de l’artiste à l’égard de la relation entre les traditions occidentales et orientales.
Par le processus d’extraction sur pièces de contreplaqué au moyen du ciseau, de la ponceuse, de la toupie et de la meule, Yechel Gagnon crée des espaces picturaux qui évoquent des formes topographiques et des repérages fictifs. L’artiste incorpore différentes perspectives pour créer des images qui évoquent des paysages imaginaires. À proximité de ces gravures sur bois riches et complexes se trouvent de délicats dessins gestuels réalisés à l’encre sur papier. Le contraste entre, d’une part, la couleur chaleureuse du bois, sa robustesse et sa taille, et d’autre part, la noirceur de l’encre alliée à la fragilité du papier crée un environnement se prêtant à la contemplation.

Yechel Gagnon est née à Montréal, où elle habite et travaille présentement. Elle a obtenu sa maîtrise de l’Université Concordia en 2000 et a complété des études au Ontario College of Art & Design en 1998. Elle a participé à des expositions dans des galeries commerciales, des centres d’artistes et des musées partout au Canada. De plus, elle a reçu plusieurs bourses du Conseil des arts du Canada et du Conseil des arts et des lettres du Québec. Ses œuvres se retrouvent parmi des collections privées et publiques telles que la Collection Osler, Harcout & Hoskin. Yechel Gagnon est représentée par la Galerie Moore à Toronto.

John Heward and Sylvia Safdie  - Heads
John Heward and Sylvia Safdie Heads

Commissaire invité: James D. Campbell
Vernissage: jeudi le 6 octobre à 18h
Exposition: du 7 au 29 octobre , 2005

Communiqué de presse de l’exposition:

La galerie McClure a le plaisir de presenter Têtes, une exposition en duo de John Heward et Sylvia Safdie. Le commissaire invité de cette exposition est James D. Campbell. Ces deux artistes montréalais bien connus ont à leur actif d’innombrables expositions. L’art de John Heward s’est démarqué surtout par son caractère résolument expérimental au cours des trentes dernières années. Pour sa part, Sylvia Safdie travaille dans plusieurs disciplines : dessin, peinture, installation, sculpture et vidéo.
Même si Heward et Safdie on souvent collaboré ensemble sur certaines pièces de sculptures et d’installations, cette exposition offre un apperçu plus intime de leurs travaux respectifs ayant des thématiques communes tout en démontrant leur voix distincte et singulière. En guise de contrepoint à ses abstractions gestuelles pures, monsieur Heward présentera une série d’autoportraits expressifs réalisés au moyen d’encre et de pigments sur toile, apposés directement sur le mur sans avoir été pleinement déployés. D’un grand pouvoir évocateur, les représentations que fait Sylvia Safdie de la tête sont exécutées sur des feuilles de mylar surdimensionnées au moyen de terre, de pigments et d’huile.

John Heward est né en 1934 à Montréal. Après avoir completé un baccalauréat à l’Université Bishop, il a travaillé dans la publication à Londre en Angleterre. Il est retourné à Montréal et a débuté la peinture en 1965. Depuis il a exposé au Canada, aux États-Unis, en Europe et en Chine. Il est aussi reconnu comme percussioniste/batteur dans le milieu de la musique contemporaine et du free jazz. Il est autodidacte autant dans les arts visuels que dans la musique.

Sylvia Safdie est née à Aley, au Liban, en 1942. Elle a vécu les premières années de sa vie à Haifa, Israel. Immigrée au Canada avec sa famille en 1953 elle a complété son Baccalauréat en arts visuels à l’Université Concordia en 1975. Sylvia Safdie a exposé à plusieurs reprises ici et à l’étranger. Ses expositions individuelles récentes incluent The Inventories of Invention (Galerie d’art Leonard & Bina Ellen, Montréal, 2003), The Testimony of Trees (Firehouse Gallery, Burlington, Vermont, 2004) et The International Biennale of Contemporary Art (National Gallery à Prague, 2005). Sylvia Safdie et John Heward vivent et travaillent ensemble à Montréal.

John Drew Munro - Tiny Builders
John Drew Munro Tiny Builders

Vernissage: jeudi le 3 novembre à 18h
Exposition: du 4 au 26 novembre, 2005

Communiqué de presse de l’exposition:

La galerie McClure a le plaisir de vous présenter Tiny Builders, une exposition solo des récentes peintures à l’encaustique sur panneaux de bois de l’artiste montréalais John Drew Munro.
Depuis 2002, les oeuvres de John Drew Munro s’intéresse à la plus petite forme géométrique: le point. Malgré qu’il soit insignifiant dans sa singularité, il acquiert un certain pouvoir avec la quantité car en le répétant, on peut former de complexes réseaux de constellations, patrons et agglomérations. Le point crée de fragiles designs qui construisent et déconstruisent simultanément des systèmes grâce à sa propre entropie interne.
La technique de Munro nous apparaît de manière trompeuse plutôt simple. Une couche d’encaustique est d’abord versée sur une surface de bois préparée. Utilisant à la fois un petit burin et une perceuse électrique, la surface est ensuite incisée avec des trous de tailles différentes. Les trous sont alors remplis et grattés pour créer une surface égale. Ce procédé est ainsi répété jusqu’à ce qu’il obtienne l’équilibre esthétique désiré. La cire à la surface devient une forme de lumière solide alors que les points doivent être considérés comme la matière en construction.
Le titre de l’exposition provient d’un livre de science pour enfant du début du vingtième siècle, spécifiquement d’un chapitre dédié aux merveilles de la microphotographie, toujours à ses débuts. Les photographies granulées, ajoutés aux descriptions enthousiastes de l’auteur, ont stimulé la production de ces peintures.

John Drew Munro est né en 1954 à Montréal, où il vit et travaille. Il a étudié au Montreal Museum of Fine Arts School de 1976 à 1977 et reçu un baccalauréat en arts visuels de l’Université Concordia en 1981. Munro a présenté son travail lors d’une exposition solo au Evanston Art Center de Chicago en 1995 et lors d’une exposition en duo à la Galerie Luz (1999, 1998) et à la Cathédral Christchurch (1996) à Montréal. Son travail a été inclus récemment dans une exposition à la Galerie Sandra Goldie (2005) à Montréal. Le travail de John Drew Munro fait partie de collections privées et corporatives du Canada et des États-Unis.

Maria Chronopoulos - Mapping the Invisible

Vanessa Yanow  - Chariots of Desire

Maria Chronopoulos Mapping the Invisible
Vanessa Yanow Chariots of Desire

Vernissage: jeudi le 1 décembre à 18h
Exposition: du 2 au 22 décembre, 2005

Communiqué de presse de l’exposition:

La Galerie McClure a le plaisir de présenter deux expositions individuelles d’artistes émergents de Montréal, soit Maria Chronopoulos et Vanessa Yanow.
Dans la petite galerie, Mapping the invisible (Représenter l’invisible), de Maria Chronopoulos, est une exposition présentant des estampes, des dessins et une installation réalisés récemment par l’artiste. Le travail de Maria Chronopoulos explore le paysage et le corps en les positionnant comme références au passage de la vie et aux frontières séparant notre monde de l’inconnu.
Dans son travail, Maria Chronopoulos combine des organismes vivants de la nature, notamment des oiseaux, des libellules, des branches et des racines, avec des éléments du corps humain comme des cheveux, des mains et des pieds. Elle recourt tant aux techniques traditionnelles (eau-forte, lithographie, monotype) qu’aux nouveaux processus de l’estampe (photogravure, photolithographie, estampe numérique).
Dans la grande galerie, peintre, multidisciplinaire et artiste du verre, Vanessa Yanow s’intéresse d’une manière ludique aux représentations liées à la société de consommation et à l’industrie alimentaire. Son travail s’inspire humoristiquement et de façon complexe aux concepts plastiques de cet univers, créant à la foi des œuvres bi-dimensionnelles et des sculptures qui mettent en évidence le contraste entre la texture des matériaux de l’artisanat et cette esthétique du préfabriqué dont elle s’inspire.
Par exemple dans l’œuvre Six Thousand Three Hundred And Sixty Seven Price Tags, Yanow transforme cette icône froide et manufacturée qu’est le panier d’épicerie en une image fantomatique et entrelacée. Dans une autre œuvre, New Devotion, l’icône réapparaît comme un délicat petit panier de verre chauffé posé comme un bijou de rêve sur un coussin rembourré couvert d’étiquettes.

Maria Chronopoulos a obtenu un baccalauréat en beaux-arts de l’Université Concordia en 2001. Ses œuvres ont été présentées au Canada, en France, en Italie et en Australie, tant dans des expositions solo que des expositions de groupe. Maria Chronopoulos est membre de l’Atelier Circulaire, centre d’artistes autogéré qui se consacre à l’estampe, dont elle est également la coordonnatrice.

Vanessa Yanow a graduée en 1998 d’un baccalauréat au Rhode Island School of Design. Elle a participé récemment à plusieurs expositions de groupe à New York et en France. Vanessa Yanow a voyagé aux États-Unis, en France et en Afrique de l’Ouest pour apprendre différentes techniques artisanales traditionnelles.

Michael Smith - Wresting Vision

Michael Smith Wresting Vision

Vernissage: jeudi le 5 janvier à 18h
Exposition: du 6 au 28 janvier , 2006

Communiqué de presse de l’exposition:

La galerie McClure est fière d’exposer les récentes peintures grands formats de paysage de l’artiste Michael Smith. Dans le travail de Smith le paysage se transforme en une interaction complexe avec les événements culturels, politiques, psychologique et sociaux qui nous entourent. Son travail fait référence à la riche tradition de la peinture, des paysages anglais aux abstractions contemporaines.
Wresting Vision présente trois peintures exposées pour la première fois : The Burial, Cradle of Words et Constellation Breaking. L’exposition inclus aussi une sélection de collage ayant servis comme études pour des peintures finales. The Burial fait référence au paysage comme symbole de transformation. Dans cet œuvre les corps, la terre, le ciel et les arbres apparaissent à l’état de flux. Il semble apparaître et disparaître de la vision, capturé au moment où il va se désintégrer en une surface de taches fracturées. Cradle of Words agit comme un sol sur lequel les paroles tombent. Des notes extraites du journal de l’artiste sont incorporées dans la peinture. Constellation Breaking évoque la lumière fragile d’une constellation imaginaire faisant éclater un arbre en une multitude de braises lumineuses.
‘’Peindre, pour moi, est la manifestation d’un processus qui tente de soutirer une illusion de lumière de la matière, de la matérialité; sa marque laisse des traces de la main et du temps. ‘’ Michael Smith

Né au Royaume-Uni, Michael Smith vit et travaille au Québec depuis 1978. Il a terminé une maîtrise en arts visuels à l’Université Concordia en 1983, où il a enseigné de 1882 à 1990. Il enseigne actuellement au collège Dawson de Montréal. Il a récemment présenté des expositions individuelles à Montréal, Toronto, Calgary et Bruxelles et des expositions de groupe à Kaohsiung (Taiwan), Prague, Berlin et Montréal. Son travail fait parti de plusieurs collections publiques importantes, incluant celle du Musée des Beaux-Arts de Montréal, du Musée du Québec, du Musée d’art de Joliette, de l’Université de Sherbrooke, de l’Université Concordia et de l’Université de Lethbridge.

Mondays 9 to 12 - A group drawing exhibition at the McClure Gallery

Les lundi, 9H à 12H  une exposition de groupe à la galerie McClure

Vernissage: jeudi le 2 février à 18h
Exposition: du 3 au 25 février, 2006

Communiqué de presse de l’exposition:

La galerie McClure a le plaisir de présenter une exposition de groupe de dessins fait à partir de modèles vivants. Le titre de l’exposition, Les lundis, 9h à 12h, fait référence à une tradition artistique d’un groupe d’artistes montréalais de se rencontrer les lundis matins durant trois heures pour dessiner le corps humain. Même si plusieurs membres du groupe sont venus et ont quitté pour ensuite revenir, certaines personnes ont ainsi travaillé ensemble depuis une trentaine d’années.
Les lundis, 9h à 12h est une exposition intimiste présentant le travail récent des membres actuels du groupe de dessin, chaque artiste expose environ trois pièces. Les membres sont Susan Brainerd Alain, Sandi Bolton, Charles Colby, Barbara Palca Dickstein, Hannah Franklin, Paula Gillett, Mary Martha Guy, Jennifer Hornyak, Jean Lukanovich et Virginia McClure.
Le groupe se retrouve dans leur amour du dessin et dans le fait qu’ils se consacrent à l’acte de dessiner comme une discipline importante en plus de leur pratique respective. Le travail reflète le style personnel et individuel de chaque artiste ainsi que leur façon d’approcher le modèle. Certains dessins sont très détailés alors que d’autres sont des dessins spontanés de contours qui capturent l’essence de la pose en une ligne. On peu ensuite constater un des aspects les plus attirant du dessin, sa capacité à saisir un moment dans un processus continu.
Le groupe s’est formé en 1969 se rencontrant dans des greniers, des sous-sols, des cuisines et des salons. Après une multitude de changements d’atelier, les artistes ont trouvé un hébergement ici au Centre des arts visuels depuis les cinq dernières années. Durant les trois heures, il n’y a pas de critique et peu de commentaire. Les modèles vivants avec lesquels ils choisissent de travailler, souvent à plusieurs reprises, sont des artistes de talent, des danseurs et des modèles vivants professionnels. Le support et l’amitié parmi les membres du groupe ont été les éléments rassembleur autour d’un acte qui est souvent solitaire.

Chantal Gervais - Between Self and Other

Chantal Gervais Between Self and Other

Vernissage: jeudi le 2 mars à 18h
Exposition: du 3 au 25 mars, 2006

Communiqué de presse de l’exposition:

La galerie McClure a le plaisir de présenter une exposition des photographies couleur de grand format créées en 2003 et 2005 par Chantal Gervais d’Ottawa. Between Self and Other explore la vulnérabilité et la résistance du corps humain. Les images représentent des sujets anonymes au moment où ils semblent émerger de l’obscurité suscitant des états physiques et émotionnels ambigus. Les œuvres abordent les thèmes de la douleur, du désir, de la fragilité et de la force d’esprit face à la mort.
Depuis 1997, Gervais a réalisé plusieurs œuvres photographiques qui traitent du corps humain et de sa corporéité. Dans son travail récent, Gervais a travaillé en collaboration avec des personnes qui, en raison de chirurgie, d’accident ou du processus de vieillissement, ont vécu des changements corporels aigus.
‘‘Les sujets semblent être en attente de quelque chose et souvent leurs poses suggèrent un état entre le sommeil et la mort. Dans les images composées en plusieurs sections, puisque Gervais photographie ses sujets à partir d’angles variés, ceux-ci semblent se contorsionner ou bouger langoureusement en réponse à des stimulus invisibles. Les individus ont l’apparence d’avoir régressé à un semblant d ‘état prénatal, lieu qui est sécurisant et confortable. Toutefois, cette impression que les sujets ont régressé à un état de renouvellement est démenti par les traces du vieillissement ainsi que par les cicatrices qui démontrent la lutte de leurs corps contre la mort…L’importance de ces œuvres réside aussi dans le fait qu’elles abordent des questions souvent passées sous silence et nous invitent à considérer leur importance soit dans nos vies privées ou dans une sphère publique telle que celle offerte par la galerie d’art.’’
Extrait du texte rédigé par Andrea Kunard au sujet de l’exposition par Chantal Gervais Between Self and Other de Carleton University Art Gallery, Ottawa (2005).

Chantal Gervais est née à Val d’Or au Québec en 1965 et vit et travaille présentement à Ottawa. Elle a obtenu un baccalauréat en arts visuels de l’université d’Ottawa (1993) et une maîtrise en Art and Media Practice de l’université Westminster de Londres en Angleterre (2003). Son travail photographique et de vidéo ont été présentés au Canada incluant Carleton University Art Gallery, Ottawa (2005), Vidéographe Montréal (2002), Galerie Séquence, Chicoutimi (2000), Gallery 44, Toronto (1998) et (à venir) Harcourt House Gallery, Edmonton (2006). Gervais est bénéficiaire de bourses du Conseil des arts du Canada, du Conseil des arts de l’Ontario et de la ville d’Ottawa. Elle fut aussi décernée le prix du duc et de la duchesse d’York en photographie attribué par le Conseil des arts du Canada en 2002. Ses œuvres peuvent être trouvées dans la collection de la ville d’Ottawa ainsi que plusieurs collections privées.

Annual Student Show - 2005-2006

Exposition annuelle des étudiants

Vernissage: jeudi le 30 mars à 18h
Exposition: 31 mars au 22 avril, 2006

Communiqué de presse de l’exposition:

Les étudiants inscrits à l’école d’art pour la session d’hiver sont invités à exposer leurs œuvres dans le cadre de notre exposition annuelle. L’exposition, qui regroupe une centaine d’œuvres réalisées dans une grande variété de techniques, donne aux étudiants la possibilité de voir leurs œuvres dans le contexte d’une galerie professionnelle. Elle offre aussi l’opportunité d’apprécier la grande diversité de la production artistique au Centre.

Virginia McClure - Retrospective
Virginia McClure Rétrospective

Vernissage et lancement du livre: jeudi le 27 avril à 18h
Exposition: 28 avril au 2 mai , 2006

Communiqué de presse de l’exposition:

La galerie McClure célèbre la carrière de la céramiste et artiste de médias mixtes Virginia McClure lors de cette rétrospective de son travail à l’occasion du 60e anniversaire du Centre des arts visuels. Virginia McClure a joué un rôle primordial dans l’histoire du Centre depuis les années 50 en tant que directrice et présidente du conseil d’administration durant plusieurs années. Ayant fait partie des premiers membres du Potter’s Club, nom d’origine du Centre, Virginia McClure était une artiste céramiste talentueuse dont les projets étaient couronnés de succès. Elle s’est par la suite tournée vers le multimédia et, plus récemment, la poésie.
L’exposition inclut des œuvres expérimentales combinant le plastique et la céramique réalisées dans les années 70 ainsi qu’une sélection de monotypes réalisés au cours des 15 dernières années, petits et grands formats, mettant l’emphase sur les couleurs vibrantes et l’énergie très expressive connu de l’artiste. Virginia McClure a présenté plusieurs expositions individuelles et de groupe à Montréal, Toronto, Boston, New York et Barcelone.
À l’occasion de l’exposition rétrospective de Virginia McClure, le Centre des arts visuels est enchanté de lancer sa deuxième publication, green jelly beans; poems and monoprints un livre de poèmes et de monotypes de Virginia McClure

Collective Visions – 60th Anniversary  - A Fundraising Exhibition and Sale
Vicion collective – 60E Anniversaire  
une exposition/vente levée de fonds

Vernissage et soirée de gala: 25 mai à 18h
Exposition: du 23 mai au 3 juin , 2006

Ikebana - Floral Expressions
Ikebana expression florale

Vernissage: jeudi le 15 juin à 18h
Exposition: le 16 et 17 juin , 2006

Communiqué de presse de l’exposition:

La galerie McClure a le plaisir de présenter une exposition spéciale de trois jours d’environ 25 arrangements floraux réalisés par les membres, professeurs et maîtres du regroupement de Montréal de l’école de Ikebana Ohara.
L’art de l’Ikebana (qui signifie «fleurs conservées vivantes») est une des nombreuses traditions culturelles et artistiques originaires du Japon. Son contacte avec toute forme de nature et son observation rigide des saisons établit le lien nécessaire avec la nature et le monde spirituel.
Ohara, la première école moderne de Ikebana, s’est formé lorsque Ohara Unshin a quitté l’école Ikenobo à la fin du 19e siècle. L’école Ohara utilise normalement les moribanas (fleurs empilées) dans un contenant plat et peu profond. L’école a débuté à l’époque où la culture occidentale était très influente au Japon et le style moribana faisait un bon usage des plantes occidentales.
Le regroupement de Montréal a été fondé en 2002 par Cornelia Singh, qui en est l’actuelle présidente. Le grand maître de l’école Ohara du Canada, Mitsugi Kikuchi, s’est joint à Mme Singh et aux membres du regroupement de Montréal. Né au Japon, M.Kikuchi est peintre et ikebaniste depuis 35 ans. Il est le fondateur du regroupement de Ottawa et son honorable conseiller.

Elena Willis - Naturally Human

Elena Willis Naturally Human

Vernissage: jeudi 22 juin à 18h
Exposition: 23 juin au 15 juillet, 2006

Communiqué de presse de l’exposition:

La galerie McClure est heureuse de présenter une exposition des photographies couleur grands formats de l’artiste montréalaise Elena Willis.
La série Naturally Human explore la complexité de l’inconscient et son influence sur notre perception de la réalité. Des mises en scène basées sur les rêves de l’artiste recréent des paysages qui provoquent un dialogue visuel entre le contenu de l’inconscient et les forces émergentes du monde naturel.
Quelques mots de l’artiste : « Naturally Human va en profondeur des éléments et évènements qui se développent dans les rêves, la source d’information la plus importante sur le contenu de l’inconscient. Les mises en scène issues des rêves sont placées en contraste avec l’idée du paysage comme espace où le tempérament humain est en relation directe avec la nature. Même si la main de l’homme a altéré ces paysages, ils continuent à fleurir indépendamment de l’incertitude émotionnelle des hommes. De plus, la clarté et la consistance du paysage permet une permanence de la réflexion qui émane de lui.»
Titulaire d’un baccalauréat en arts visuels (photographie et études féministe) de l’Université Concordia en 2003, Elena Willis vit et travaille à Montréal. En 2004 elle a reçu les prix Stanley Mills Purchase Prize Award, Bourse du Conseil des arts Du Maurier et Concordia University Special Project Grant. Elena Willis a présenté une exposition individuelle à Espace 306 à Montréal en 2004.

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